A ROOM WITH A VIEW, 2015

Ditte Gantriis / Cristina Garrido / Mishka Henner /
Marco Kane Braunschweiler / Gabriel Pericàs 

L21 Gallery. The Apartment
Palma de Mallorca
11.06.15 – 12.09.15

Un interior sin relación con el exterior, una habitación cerrada, sin vistas.

A través de la práctica fotográfica y su expansión hacia el texto, el video o el objeto, A Room with a View propone un doble juego. Por un lado, exhibe las únicas vistas posibles del lugar: aquellas ideadas por los artistas; por el otro, cuestiona nuestra percepción del entorno mediante fragmentos de realidad tan precisos que llegan a desdibujar los límites entre aquello que existe y aquello que no, entre aquello que reconocemos y aquello que nos interpela desde la inestabilidad.

Pese al libro de E.M. Foster (1908) y la película de James Ivory (1985), el título de la exposición es una cita a la banda madrileña A Room with a View (1990 – 2000). Un guiño directo al post-hardcore como posible vía de entrada a lo post-fotográfico en arte.

Con la apoyo de: Carroll/Fletcher Gallery, Galería PM8 y Frutta Gallery.

Fotos: John Forest

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An interior without a link to the exterior, a closed room, without a view.

Through photography and its expansion towards text, video or objects, A Room with a View, proposes a double game. On one side , it exhibits the only possible view of the place: that created by the artist; on the other, it questions our perception of the environment through fragments of reality which are so precise that they begin to blur the limits of that which exists and that which doesn’t, between what we recognize and what challenges us from instability.

In spite of the book by E.M. Forester (1908) and the film by James Ivory (1985), the title of the exhibition is from a Madrid band called A Room with a View (1990-2000). It’s a reference to post-hardcore as a possible way to meet post-photography in art. 

By the support: Carroll/Fletcher Gallery, Galería PM8 and Frutta Gallery.

Fotos: John Forest

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La obra de Mishka Henner (Bruselas, Bélgica, 1976) se basa en la adopción sistemática de imágenes producidas por Internet; una producción masiva de instantáneas que supuestamente permiten al usuario satisfacer su ansia de reconocimiento virtual. A través de dicha adopción, el artista fija su atención en aquellas zonas oscuras y controvertidas que el poder político y económico pretende evadir u ocultar. En la serie The Fields (2013-2014), Henner utiliza cientos de imágenes de Google Earth para exhibir, a gran escala, la alteración del paisaje natural provocada en EE.UU por dos grandes ejes de su industria: el petróleo (Oil Fields) y la carne (Feedlots). El punto de vista cenital, la distancia y la precisión de cada detalle convierten sus imágenes – en este caso Centerfire Feedyard, Ulysses, Kansas (2013) – en una suerte de composición formal y cromática donde lo real se torna pura abstracción pictórica.

The work of Mishka Henner (Brussels, Belgium, 1976) is based on the systematic adoption of images produced on the Internet: a massive production of photos which supposedly allow the users to satisfy their thirst for virtual recognition. Through this adoption, the artist focuses his attention on those dark and controversial areas which political and economic power wish to evade or hide. In the series The Fields (2013-2014), Henner uses hundreds of images from Google Earth to show in large format the alteration of the natural landscape brought about in the USA by the two axes of its industry: petroleum (Oil Fields) and meat (Feedlots). The aerial point of view, distance and precision of every detail convert his images – in this case Centerfire Feedyard, Ulysses, Kansas (2013) – in a formal and chromatic composition where reality becomes pure pictorial abstraction.

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El trabajo de Gabriel Pericàs (Palma de Mallorca, 1988) apuesta por ejercicios narrativos basados en intuiciones y conexiones accidentales. El artista presenta aquí dos piezas distantes en el tiempo pero vinculadas a uno de los objetos más recurrentes en su trabajo: la silla. Efficiency & Abyss (2014) son tres pequeñas fotografías repartidas por el espacio expositivo que abren un intenso diálogo desde lo micro. Tres imágenes de sillas metálicas especialmente diseñadas para ser apiladas ocupando así el mínimo espacio (la eficiencia) y, a su vez, la especulación fantástica del túnel que genera el mismo acto de apilarlas (el abismo). Objeto (buena idea) (2010), sintetiza sus intereses sobre la madera curvada derivados de los diseños de Michel Thonet. Estrechamente relacionada con el mobiliario de The Apartment, la escultura explora los límites entre el carácter físico del objeto y el relato performativo que lo acompaña. Un relato donde los datos históricos y los autobiográficos se mezclan de manera indisociable.

The work of Gabriel Pericàs (Palma de Mallorca, 1988) is based on narrative exercises and intuitions and accidental connections. The artist presents two pieces which are distant in time, but linked to one of the objects which is most recurrent in his work: the chair. Efficiency & Abyss (2014) are three small photographs distributed around the showroom which open up an intense dialogue from the micro perspective. Three images of metallic chairs especially designed to be stacked, occupy a minimum space (efficiency) and which at the same time, generate a fantastic speculation of the tunnel which the act of stacking creates ( the abysm). Objeto (buena idea) (2010), synthesize his interest in curved Wood derived from the the desgns of Michel Thonet. Closely related with the furniture of The Apartment, the sculpture explores the limits between the physical charcter and the performed story which accompanies it. A story where the historical and autobiographical data intertwine in an indisociable manner.

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A partir de imágenes intervenidas y objetos reinterpretados, la obra de Cristina Garrido (Madrid, 1986) analiza conceptos tan intangibles en arte como son el valor comercial, la legitimación y la especulación financiera. They are these or they may be others (2014-2015) implica una investigación visual sobre las formas de display dominantes en la práctica artística actual. Un extenso archivo de imágenes extraídas de plataformas online dedicadas a la difusión internacional del arte contemporáneo que la artista resume en 21 categorías. Una vez definidas, Garrido propone tres movimientos progresivos: un ejercicio escenográfico con cada uno de los objetos, un momento de documentación fotográfica y un acto final de intervención pictórica mediante textos que convierten las piezas en memes de carácter irónico y metareferencial. En este caso, tres de sus etiquetas – alfombras, biombos y cosas que se inclinan entre la pared y el suelo – se muestran en el espacio expositivo en su doble condición: objeto e imagen. Además, en una de las mesas, encontramos un iPad con las 21 categorías en formato digital.

Evolving from intervened images and re-interpreted images, the work of Cristina Garrido ( Madrid, 1986) analyses such intangible concepts in art such as commercial value, legitimization and financial speculation. They are these or they may be others (2014-2015) implies a visual investigation of ways of display which are dominant in current artistic practice. It is a an extense file of images extracted from online platforms dedicated to international contemporary art diffusion which the artist summarises in 21 categories. Once defined, Garrido three progressive movements: a staged exercise with each of the objects, a moment of photographic documentation and a final act of pictorial intervention by using texts which convert the pieces in memes of an ironic and meta-standardized character. In this case, three of her tags – carpets, screens and things which lean between the wall and the floor – are seen in the showroom in a double condition: object and image. As well, on one of the tables, we find an iPad with the 21 categories in digital format.

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El paso del tiempo y su percepción en lo cotidiano es el tema central de la obra de Marco Kane Braunschweiler (Suiza, 1985), un devenir que el artista suizo-americano suele exhibir mediante la incursión de flores naturales en sus trabajos. A partir de piezas gráficas que incorporan los periódicos utilizados por los floristas para envolver los ramos, o a través de filmaciones de lirios que se mueven sutilmente en busca de luz, Braunschweiler nos enfrenta a la fugacidad y fragilidad del momento vivido. En este sentido, la serie de videos Timelapse – en este caso Timelapse 14 (2014) – representa una auténtica vanitas contemporánea. Una secuencia temporal de menos de dos minutos de duración en la que, mientras contemplamos la belleza de los lirios, sentimos como el tiempo se nos escapa sin remedio.

The passage of time and its perception in everyday life is the main theme of Marco Kane Braunschweiler´s work (Switzerland, 1985), an occurrence the Swiss-American artist usually exhibits by incorporating natural flowers in his work. Ranging from graphic pieces which integrate newspapers used by flower vendors to wrap bouquets or by filming irises which move gently in the wind, Braunschweiler confronts us with the brevity and fragility of the living moment. In this sense, the series of videos Timelapse and in this case Timelapse 14 ( 2014) – represents an authentic contemporary vanitas. A temporary sequence of less than two minutes allows us contemplate the beauty of the irises and produce a feeling that time is irremediably running out.

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Finalmente, el recorrido cierra con un fragmento específico de Body & Soul (2014) de Ditte Gantriis (Copenhagen, Dinamarca, 1980). Con el objetivo de evidenciar la falsedad de toda imagen comercial, Body & Soul combina múltiples registros de presentación que cuestionan el consumismo neoliberal y ofrecen un nuevo sistema de significados, emociones y experiencias extraídas del eslogan “cuerpo y mente”. Para ello, Gantriis confecciona un nuevo imaginario en apariencia absurdo pero ideológicamente liberado de cualquier estrategia de sumisión. A modo de reivindicación artesanal y espiritual, un mural monocromo azul, la imagen de un jarrón de producción manual y dos dibujos de babuinos que interactúan entre ellos conviven en la sala de exposiciones sin que podamos precisar con seguridad qué es lo que ocurre allí.

Finally, the tour closes with a specific fragment from Body & Soul (2014) by Ditte Gantriis (Copenhagen, Denmark, 1980). With the aim of showing the falseness of every commercial image, Body & Soul combines multiple registers which question neoliberal consumerism and offers a new system of meanings, emotions and experiences extracted from the slogan “ Body and mind”. For this purpose, Gantriis creates a new imagery in appearance absurd but ideologically freed of any strategy of submission. As a way of reclaiming arts and crafts and spirituality, a blue monochrome mural, the image of a vase produced manually and two drawings of baboons which interact with each other live together in the showroom without quite knowing what´s going.

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En definitiva, A Room with a View supone la recopilación específica de algunos de los cambios formales y conceptuales que redefinen la naturaleza mutable de la imagen fotográfica en la actualidad. Unos cambios marcados tanto por los avances tecnológicos como por el deseo de resistirnos a la predisposición normativa que define nuestro constante consumo visual. Al fin y al cabo, un ejercicio especulativo capaz de narrar unas imágenes que ya no sostienen la narración que esperábamos encontrar.

In conclusion, A Room with a View is a specific collection of some of the formal and conceptual changes which redefine the mutable nature of the photographic image nowadays. Changes marked not only by technological progress, but also by the desire to resist the willingness to accept the norm which so defines our constant visual consumption. At any rate, it is a speculative exercise able to narrate images which don´t quite fit in the narration we expected to find.