Curated by David Armengol & Martí Manen
Adn Platform
Opening November 21.
Nov 2015 – April 2016

Johanna Billing / Bradien + Eduard Escoffet / Lucía C. Pino / Carles Congost /
Laia Estruch / Antoni Hervàs / Pepo Salazar / Tris Vonna-Michell /
Richard T. Walker / Franziska Windisch

fotos: Roberto Ruiz

El punto de partida de No Song to Sing se sitúa en dos canciones adscritas a la cultura pop: un tema homónimo compuesto por el músico inglés Michael Chapman para Rainmaker (1969), su primer álbum; y uno de los hits más premiados de Stevie Wonder, I Just Called to Say I Love You (1984). En ambas casos, la relación antagónica entre la ausencia y la presencia de la canción genera una ambigüedad conceptual que, poéticamente, podemos relacionar con la producción sonora dentro del arte contemporáneo.

No Song to Sing propone dos tipos de aproximación al sonido. Primero, un espacio de consulta formado por diez ediciones físicas y virtuales (vinilo, cd y formato on line) pertenecientes a artistas afines al hecho sonoro; a continuación, una derivación expositiva donde la práctica artística de cada uno de ellos se propaga por el espacio y el tiempo de Adn Platform a través de formalizaciones tan dispares como el dibujo, la fotografía, el video, la performance o el concierto.

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The starting poinf for No Song to Sing flies betwen two songs from popular culture: in one hand an eponymous song composed by the british musician Michael Chapman included in his first album (Rainmaker, 1969), on the other hand one of the most awarded hits by Stevie Wonder, I Just Called to Say I Love You (1984). In both cases, the antagonistic relationship between the absence and the presence of the song creates a conceptual ambiguity that we can poetically relate to sound production within contemporary art.

No song to Sing proposes two types of connection to sound. First we find a documentation space with ten physical and digital sound components (Vinyl records, CDs, on-line systems…) from visual artists close to the sound experience. Then an exhibitional derivation where the artistic practice from everyone of the artists is spread at the exhibition space and time at ADN platform. Drawing, photography, video, performance and concert are some of derivations coming from the first components.

Inicialmente, una gran mesa dotada de diversos dispositivos de escucha pone las piezas de audio a disposición del usuario. Una experiencia que recrea y asume ciertos hábitos de consumo musical desde lo doméstico: un tocadiscos, un reproductor de cd, un ordenador, unos auriculares. A continuación, cada una de las propuestas sonoras se expande hacia registros espaciales y visuales. En algunas ocasiones, éstos se encuentran íntimamente ligados a las piezas que configuran la mesa; en otras, dicha extensión se libera para ofrecer un nuevo trabajo sensible al sonido y adaptado a los sistemas de presentación del arte.

Initially, a big table equipped with several listening devices makes the audio pieces available to the user. This allows us to recreate and assume some domestic musical consumption habits: a record player, a CD player, a computer and headphones. Then, each of the sound proposals expands into other special and visual productions. In some situations, they are closely related to the pieces on the table; at others, however, all linkage gets severed in order to show new work sensitive to sound and adapted to art exhibition practices.

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Orfeo y la Montaña Sumergida (2014) es un proyecto de Antoni Hervàs (Barcelona, 1981) dedicado a uno de sus temas fetiche: la reactualización del mito de la sirena mediante la potencia performativa y escénica del dibujo. Como complemento musical a su instalación en sala, Hervàs propuso a la banda Evil (Evripidis Sabatis y Odil Bright) sacar un single de dos temas que fusionan la narración épica de Jasón y los Argonautas con los esquemas de pop orquestal propios del grupo. Un año después, Hervàs inicia Mprazish (2015), una propuesta que recupera la figura de la estrella del pop balcánico Azis. En 2011, un episodio homófobo convierte a Azis en un fenómeno viral, surgiendo así infinidad de admiradores y detractores que versionan su hit Mprazish (“odias” en búlgaro) y lo difunden por las redes. Fascinado por la ambigüedad ideológica de su popularidad, el artista decide iniciar una colección de cassettes y dibujos derivados del imaginario sonoro y gráfico de tal suceso.

Orfeo y la Montaña Sumergida [Orpheus and the Sunken Mountain] (2014) is a project by Antoni Hervàs (Barcelona, 1981) which is dedicated to one of his fetish subjects: the reenactment of the mermaid myth through performance and the staging power of drawing. As musical addition to his gallery installation, Hervàs proposed to the band Evil (Evripidis Sabatis y Odil Bright) to release a two-song single, blending the story of Jason and the Argonauts with the orchestral pop devices of the group. A year after, Hervàs starts Mprazish (2015), a proposal that recovered the character of Azis, the Balkans pop star and member of the LGBT movement in Bulgaria. In 2011, a homophobic event turned Azis into a viral phenomenon, gathering lots admirers and detractors that made versions of his hit Mprazish (“you hate” in Bulgarian), spreading it online. Fascinated by the ideological ambiguity of his popularity, the artist decides to start a collection of tapes and drawings that resulted from the sound and graphic imagery of that event.

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El trabajo de Tris Vonna-Michell (Reino Unido, 1982) se basa en especulaciones narrativas protagonizadas por personajes de ficción en lugares concretos. Capitol Complex / Ulterior Vistas (2013) recoge dos proyectos centrados en la exploración de la arquitectura, el urbanismo y el paisaje. En la cara A, Capitol Complex narra la visita de Traveller – el protagonista de la historia – a la ciudad india de Chandigarh, lugar donde se haya la construcción de Le Corbusier que da título al proyecto. Un edificio a medio hacer, sin función, que conduce el relato hacia consideraciones fantasiosas derivadas de un urbanismo utópico y fallido. En la cara B, Ulterior Vistas se aproxima al diseño de jardines ingleses del siglo XVIII a partir de una nueva situación teatralizada: un agente de ventas se dirige a un comprador indefinido interesado en una posible adquisición. Como extensión expositiva, el artista británico exhibe en sala una gran imagen con los cuatro actos que conforman Capitol Complex.

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Franziska Windisch (Alemania, 1983) opera en la frontera entre el arte sonoro y las artes visuales. Especialmente interesada en la fisicidad del sonido, su práctica suele incorporar instalaciones y acciones de carácter procesual. Charcoal Circles (2015) supone la publicación en vinilo de uno de sus proyectos performativos recientes. Un ensayo que combina voz, dibujo y escritura con la grabación de gestos y movimientos que otorgan al sonido una presencia tangible, orgánica, física. Además del disco, la exposición muestra el video que documenta la performance.

Franziska Windisch (Germany, 1983) works in the boundary between sound and the visual arts. She is especially interested in the physical nature of sound. Her practice usually includes installation and actions of a process-oriented kind. Charcoal Circles (2015) consists of a published vinyl recording of one of her most recently performed projects, an essay that combines voice, drawing and writing along the taping of gestures and movements that give sound a tangible, organic and physical presence. In addition to the record, the exhibition shows the video documenting the performance.

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Richard T. Walker (Reino Unido, 1976) explora nuestra relación con el paisaje a través del lenguaje y la música. The predicament of always (as we are/ as it is) (2015) es su primer vinilo, y recoge grabaciones en varios desiertos de los estados de Texas y Arizona. La dificultades de comprensión del lugar mediante la palabra, le llevan a buscar conexiones más abstractas, viscerales y metafísicas a partir de la composición musical. En la fotografía Attempting to define the parameters of wanting (2010) vemos, congelados y estáticos, los dos elementos esenciales en su obra: la naturaleza y la presencia humana.

Richard T. Walker (United Kingdom, 1976) explores our relationship with landscape through language and music. The predicament of always (as we are/ as it is) (2015) is his first vinyl, a collection recordings conducted in various deserts in Texas and Arizona. Difficulty understanding with words the nature of those locations takes him, with his musical compositions, to search for more abstract, visceral and metaphysical associations. In the photograph Attempting to Define the Parameters of Wanting (2010), we can see, frozen and static, the two elements of his work: nature and human presence.

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Johanna Billing (Suecia, 1972) centra sus investigaciones en cuestiones relacionadas con el aprendizaje, la participación y los procesos de definición de lo social. Como elemento significativo, suele publicar en vinilo las bandas sonoras de algunos sus vídeos. I’m Gonna Live Anyhow Until I Die (2013) es su cuarto disco, y en él descubrimos las aventuras en el barrio de Ostia (Roma) de un grupo de niños que recorren la ciudad haciendo aquello que les apetece sin la presencia de adultos. Una apuesta directa por sistemas de educación informal y flexible que sostiene un recorrido audiovisual repleto de referencias sensibles para la artista: las protestas por la reforma educativa en Roma durante el 2010, el psicoanálisis, el cine italiano de los años 40 y 50, Pier Paolo Pasolini, Bruno Munari o incluso Franco Battiato. La banda sonora se complementa con la proyección íntegra del vídeo realizado en 2012.

Johanna Billing (Sweden, 1972) focuses her research on issues related to learning, participation and processes of social definition. As a significant element, she publishes vinyl recordings of audio tracks from some of her videos. I’m Gonna Live Anyhow Until I Die (2013) is her fourth album and, there, we find documented the adventures of a group of children in the neighborhood of Ostia (Rome) who cross the city doing anything they like without adult supervision. It is proof of a straight bet placed on informal and flexible systems of education, running an audiovisual tour full of meaninful references related to the artist: protests in Rome against the education reform in 2010, psychoanalysis, Italian cinema from the 40’s and 50’s, Pier Paolo Pasolini, Bruno Munari, or even Franco Battiato. The soundtrack is enhanced by the full screening of the video made in 2012.

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 Lucia C. Pino (Valencia, 1977) trabaja con la materia y la escultura pero siempre ha estado vinculada a la experimentación sonora desde proyectos y netlabels que ensayan otros sistemas de consumo y distribución del sonido fuera de los circuitos del copyright. Un compromiso y una posición firme que define tanto sus creaciones sonoras como sus piezas físicas. Para esta ocasión, la artista exhibe Oda Chanchín II (2015), un conjunto de elementos distintos que transita entre la mesa y una nueva instalación donde dialogan videos, materiales y texturas que responden a impulsos emocionales e intuitivos. Ikcszy (2009-2010) fusiona grabaciones de calle, apropiaciones sonoras y composiciones propias a base de sintetizadores. Por su lado, la instalación evoca cierto viaje sin ocupar demasiado en la memoria. Recuerdos imprecisos y momentos concretos que se encuentran en un mismo presente inestable.

Lucia C. Pino (Valencia, 1977) works with materials and sculpture, but she has been always linked to sound experimentation, starting with projects and netlabels that try other systems of sound consumption and distribution that lie outside copyright circuits. It shows a commitment and a firm position that defines both her sound productions as her material work. On this occasion, the artist shows Oda Chanchín II (2015), a set of different elements that goes from the table to a new installation where videos, materials and textures enter a dialogue that is a response to emotional and intuitive impulses. Ikcszy (2009-2010) fuses street recordings, sound appropriations and her own compositions made with synthesizers. For its part, the installation evokes a journey with little stress on memory, vague recollections and concrete moments that take place in the same unstable present.

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La obra de Pepo Salazar (Vitoria-Gasteiz, 1972) incorpora nuevas codificaciones sobre el entorno en un ejercicio constante de puesta en crisis de aquellos significados y mensajes que nos vienen dados. En paralelo a su trayectoria como artista, Salazar ha ido publicando múltiples trabajos sonoros en cassette, cd o formatos on line que experimentan con la oralidad, el ruido y la electrónica. Inspirado en el concepto de “Merzbaus” de Schwitters, Ilmchalet (2008) consta de doce piezas basadas en la distorsión de voces y sonidos corporales. A continuación, uno de los temas del álbum se materializa en Pir Loft…2. Así respiraba Guy Debord( 2008-2015), una instalación de corte escultórico en la que el sonido convive con la contundencia de un altavoz y la fragilidad de un espejo fracturado e intervenido.

The works of Pepo Salazar (Vitoria-Gasteiz, 1972) applies new encodings to the environment in a constant exercise that challenges those meanings and messages that are a given. In parallel to his art career, Salazar has been publishing several sound works on tape, CD and online formats that experiment with voice, noise and electronic music. Inspired by Schwitters’ “Merzbaus” concept, Ilmchalet (2008) consists of twelve pieces based on the distortion of voices and body sounds. Then, one of the songs of the album becomes Pir Loft…2. Así respiraba Gilles Debord (2008–2015), a sculptural installation where sound coexists with the power of a loudspeaker and the fragility of a broken and manipulated mirror.

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La conexión de Carles Congost (Olot, 1970) con la música siempre ha mantenido una doble dimensión. Por un lado, sus proyectos videográficos y visuales sobre cultura pop y metareferencialidad artística. Por el otro, sus producciones musicales como The Congosound junto al músico Vicent Fibla y Jessie Park, musa de la cultura de club barcelonesa. Pepsi Love (2015) es un EP editado recientemente con cinco versiones del mismo tema en el que diversos músicos y formaciones (Stefano Maccarrone de Mendetz, bRUNA, F600) llevan “Pepsi Love” a diferentes terrenos de la música de baile. Abans de la casa. Un biopic inestable a través del Sonido Sabadell (2015) es un video dedicado a un fenómeno musical muy específico surgido en Catalunya durante los años ochenta. Próximo a los esquemas narrativos del video-clip y el documental musical, la obra desvela un relato simbólico y flexible que permite múltiples capas de lectura. Entre los agentes participantes se encuentran el músico Josep Xortó, el poeta Eduard Escoffet, el humorista ReEugenio, la coreógrafa Margherita Bergamo (Les Filles Föllen) o el periodista Àngel Casas.

The connection of Carles Congost (Olot, 1970) with music has always had a double dimension. On the one hand, there are his video and visual projects about pop culture, as well as his meta-reference to art. On the other, there are his musical productions, those like Congosound together with the musicians Vicent Fibla and Jesse Park, the muse of Barcelona’s club culture. Pepsi Love (2015) is a recently released EP with five versions of the same song in which various musicians and groups (Stefano Maccarrone de Mendetz, bRUNA, F600) take it to different levels of dance music. Abans de la casa. Un biopic inestable a través del Sonido Sabadell (2015) is a video dedicated to a spread-out music phenomenon in Catalonia during the 80’s. Close to the narrative constructions of video clips and the music documentary, the work reveals a symbolic and flexible story that allows multiple layers of reading. Among those involved, we can find the musician Josep Xortó, the poet Eduard Escofet, the comedian ReEugenio, the choreographer Margherita Bergamo (Les Filles Föllen) and the journalist Àngel Casas.

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Laia Estruch (Barcelona, 1981) trabaja con su propia voz como eje de sus performances. Un registro temporal e inmediato que la artista expande hacia el cuerpo y su relación con el espacio. Jingle (2011) es un vinilo en el que, tomando como punto de partida una pieza anterior (The Announcement, a song), Estruch genera la edición perfecta de piezas sonoras de carácter publicitario adaptadas al mundo del arte. De este modo, la información textual previa a un evento artístico se adapta al canto y a la sintonía musical. Álbum Victòria (2015) es un nuevo proyecto performativo que traduce a texto, voz y movimiento un pequeño álbum de dibujos del pintor barcelonés Jordi Samsó Bastardas (1929-2008). Un ejercicio libre de interpretación y traslación de lo gráfico a lo escénico que añade además un elemento ambiental imprescindible: el lugar exacto para la acción.

Laia Estruch (Barcelona, 1981) works with her own voice, which is at the heart of her performances, a temporal and immediate production that the artist extends to the body and its relation to space. Jingle (2011) is a vinyl record where, taking as a point of departure an earlier piece (The Announcement, a song), Estruch generates the perfect sound edition of advertising-like works that are adapted to the art world. This way, text information, previous to an art event, can be adapted to singing and to musical harmony. Álbum Victòria (2015) is her new performance project that translates a little notebook of drawings by Barcelona’s painter Jordi Samsó Bastardas (1929-2008) to text, voice and movement. It becomes a free exercise of interpretation and translation of the graphic to the stage that also adds an essential environmental feature: the right place for action.

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Bradien es un grupo de pop electrónico e instrumental formado actualmente por Matías Rossi, Pope y Balbini. Eduard Escoffet (Cadaqués, 1977) es un poeta y agitador cultural vinculado a la poesía sonora. Tras iniciar sus colaboraciones en 2009, publican Pols, su primer disco conjunto, en 2012 y Escala – el segundo – en 2015. Bradien + Eduard Escoffet han encontrado un equilibrio perfecto entre la musicalidad del grupo y la oralidad del poeta. Un diálogo complejo e intenso entre música y voz que desdibuja los límites del concierto, el recital o el spoken word. Como extensión expositiva, Bradien + Eduard Escoffet ofrecen una actuación en directo el día de la inauguración.

Brandien is an electronic and instrumental pop band made up by Matías Rossi, Pope and Balbini. Eduard Escoffet (Cadaqués, 1977) is a poet and cultural agitator active in the field of sound poetry. After beginning their collaboration in 2009, they published Pols, their first album together, in 2012, and Escala —their second— in 2015. Bradien + Eduard Escoffet have found a perfect equilibrium between the music of the band and the words of the poet, a complex and intense dialogue between music and voice that blurs the boundaries of the concert, the recital and the spoken word, As exhibition extension, Bradien + Eduard Escoffet will offer us a live performance on the opening day.

3. Bradien + Eduard Escoffet. Escala (2015) DSC_2841 DSC_2859

En definitiva, No Song to Sing supone un análisis expansivo del registro sonoro como posible display en arte. Así, la imposibilidad manifiesta ante el hecho de cantar una simple canción nos invita a ampliar las posibilidades discursivas del formato mediante otro tipo de procedimientos, soluciones y escuchas. Al fin y al cabo, un encuentro entre canciones sin cantante.

In short, No Song to Sing implies an extended analysis of sound recordings as a potential art display. That way, the manifest impossibility of facing the act of singing a simple song invites us to extend the discursive possibilities of the medium through other types of procedures, solutions and listenings. It looks, at the end, like a meeting of songs without singers.

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